捕捉稍縱即逝的生命之光，印象．莫內（下）
※ 上篇：
逐光嬉遊，印象美麗島》生命之光，捕捉稍縱即逝的「印象．莫內」（上）
莫內的吉維尼花園，詠唱花的史詩
旅行的意義，在於境隨心轉。1895年，莫內自述：「我不再視題材為唯一的重要因素，我想複製的是介於題材和我之間的東西。」主觀印象以及對題材的記憶，逐漸取代自然主義定義下的寫實——莫內的旅行，不再是足跡所到之地，一池睡蓮，亦可以是宇宙。
莫內一直非常熱愛花園，直至選擇了吉維尼定居之後，莫內花了半世紀打造吉維尼花園，在愛妻卡蜜兒去世後，這座花園可說是「心靈的淨土」。莫內在此定居之後，花了許多時間經營這塊土地，挖了水池，引水營造景觀，培養他喜愛的睡蓮、垂柳。
對莫內而言，他的花園本身即是一件創作，莫內不只在畫布上完成他的美學，他後期最重要的作品之一，其實應該包括他一手打造設計的莫內花園。一直到莫內的生命終了，他的花園仍然是不斷變動的作品，充滿生命的驚喜。
▲莫內的故居及花園目前仍對外開放參觀，來到此處，彷彿走入莫內的畫中——美妙的、充滿調子與色彩的花園。via
莫內的花園與其創作之間，事實上維持著一種複雜的對話關係，不能僅視之為繪畫題材的來源。普魯斯特曾寫道：「莫內賦予花朵一個更為珍貴的底色，比花朵本身的色彩更令人感動。」
莫內畫了20年的蓮花，他以巨大的畫布，如史詩般地歌頌花向上生長的渴望， 向世人佈告生命真實的意義。莫內打破花卉定型的概念，畫出每個時刻的睡蓮，他畫的是歲月的移轉，畫歲月自己的生命，從青春至垂垂老矣。也許受到東方繪畫觀念的影響，畫家關心的其實不是單純固定不變的「空間」，而是生生不息、綿延不絕的「時間」。
睡蓮 （Waterlilies）／1903年／油彩、畫布／73 x 92 cm
Musée Marmottan Monet, Paris, ©Bridgeman-Giraudon／presse
▲在莫內1899到1908年之間所畫的諸多睡蓮中，1903年出現的系列標示了一個轉捩點：莫內愈來愈接近所畫的對象物，而畫作的尺幅也變成不尋常的方形。從此作的構圖來看，風景的某段碎片取代了整體。畫作既無中心，也無任何可以彼此辨別的細節，花朵隨流漂動、直向的垂柳反影與橫向的水塘混合為一。真實（睡蓮）與虛幻（倒影）交替重疊，像夢幻泡影，如此華麗，也如此悵然若失。
百子蓮（The agapanthus）／1914-1917／油彩、畫布／200 x 150 cm
Musée Marmottan Monet, Paris, ©Bridgeman-Giraudon／presse
▲藍色的「百子蓮」為17世紀荷蘭商人從南非引進的親水植物。莫內非常喜歡紫藍色，這幅畫最令人驚嘆的莫過於逾兩公尺高的畫幅，從來沒有人在大於人身的畫幅上僅只描繪了幾朵花。許多觀眾在參觀莫內花園水潭時，都驚訝於它竟是如此的小。
◎品味總編輯潘龍 推薦作品——
《睡蓮》／1914-1917／油彩、畫布／200 x 200 cm
Musée Marmottan Monet, Paris, ©Bridgeman-Giraudon／presse
莫內說：「我畫這些睡蓮， 像古代僧侶專注於抄寫經文、圖繪聖像。他們全然孤獨寂靜，只有狂熱的專注，像被信仰催眠了。」巨大的畫布高達2公尺高，通常是歌頌史詩的尺寸，而莫內卻拿來畫花的一生，彷彿在佈告生命真實的意義。
潘龍表示，「在這幅畫當中，我好像看見莫內思念家人、思念卡蜜兒的濃烈情緒。」色彩、顏料的堆疊，表現出記憶的重疊。莫內畫出一片沒有邊際的水，水裡有睡蓮、有花影，還有無所不在的光在流動。晚年的莫內視力衰退，他開始打開心靈的眼睛，開始用信仰畫畫，開始專注在絕對的孤獨與寂靜中，不依賴世俗的視覺。
小舟／1887／油彩、畫布／146 x 133 cm
▲潘龍推薦的第三幅畫作為莫內的「小舟」系列。改變畫家一貫的視角，莫內巧妙地由水面上直視水底，將水面徹底垂直化，呈現特殊性的構圖。畫面的基底是流動的水，一種抽象的實體。晚期的莫內逐漸脫離物體形象的寫實，水草、水流異樣的美，水面鏡像、水上實體、水下虛影相融，複雜微妙的交纏空間，如同種種難以言說的心緒，化為莫內筆下線條的萬般變化，帶給人的視覺不一樣的抽象經驗。
從目之所見至心之所感
晚年，或許是因為眼疾，更或許是因為一連串的「失去」使莫內的心眼更加明朗。他悟到，無始無終的「未盡」才是他所要捕捉的，那「流動的時間」。許多人評斷莫內的畫「未完成」，但「未完成畫作」的狀態，是否是因為畫家已領悟大自然的瞬息萬變？宇宙亙古以來從來都沒有真正完成過，光與色彩不斷地流動變換，莫內反思：「藝術的完成，或許只是個人的矯情自大？」
▲莫內生命最後的十年間，他面對「失去」、抵抗「衰老」，在罹患白內障、右眼失明的狀態下，他從未放棄過繪畫，沒有絲毫的停滯或倒退，而是全力衝刺，並同時進行多幅巨大的作品。他從未放棄。via
老年時期的莫內，創作充滿了極度的自由，又蘊涵人生試煉的印記——親人、朋友的先後離世、戰爭的紛擾、自身眼疾的病痛。而他的戰鬥在於他與時間的關係，莫內恐懼於瞬間的難以掌握，以同時畫數張畫的方式進行創作。
垂柳／1918-1919／油彩、畫布／131 x 110 cm（via）
莫內八十歲高齡時，創作的「垂柳系列」，處於一種輓歌式的心境，親友相繼離世，遭逢戰爭的烽火連天，在晚年的孤獨中，如浩劫餘生的莫內，生活在他的花園，彷彿老樹屹立於風霜雨雪之中。垂柳如淚，那夾在絲絲垂柳之間的明黃色塊，是一剎那就會消逝的光，什麼也沒有留下。稍縱即逝，是時間，亦是生命本身。 時間未完、生命未完，莫內在畫裡留住了無限與永恆。
在展覽的最後一區——「永恆莫內」，除了「垂柳」之外，我們可看見莫內相當知名的作品「日本橋」系列。他受到日本浮世繪畫家——安藤廣重（師承歌川派，故又名「歌川廣重」）的影響，在吉維尼花園蓋了一座種滿紫藤花的拱橋。
日本橋／1918-1924／油彩、畫布／89 x 100 cm
莫內的「日本橋」系列開始於1899年，發展至1920年代，充滿爆發性的色彩，畫面滿佈著接近抽象的線條，卻無疑是莫內繪畫中最陰暗的一面。莫內晚年的作品影響藝術界非常深遠，在二次世界大戰後深受抽象表現主義者與行動繪畫家的推崇。
恐懼與信仰、傷痛與希望、絕望與狂喜，這些矛盾的情緒有可能在一張畫裡同時出現嗎？莫內讓理性與知識崩潰瓦解，轉化為「視覺純然的激動」。是否，他是在重組與花園、拱橋、花卉的長期記憶？普魯斯特說：「他是要畫我們看不見的東西。」
莫內的一生中，不停地靜觀「光」在一個物體上出現、存在，與消失。他在繪畫裡尋找光，光成為他領悟生命的符咒。他指引世人看到形象更深的層次，不停留在視覺表層，進入心靈最深處的光與色彩。
「最好的美術，並不是外在形式技術的賣弄，莫內的美學是生命深沉的領悟。」
博森設計 bosondesign
「印象．經典—莫內」展
官網： http://monet.ishow.udn.com/
展期：2013.11.14～2014.2.16（9:00-18:00，除夕休館）
展點：國立歷史博物館（台北市中正區南海路49號）
【編輯：黃聖雯／攝影：洪翎凱／資料來源：聯合報系金傳媒、「印象．經典—莫內」導覽手冊、破解莫內（蔣勳著）】
